Detective de patos con un arma

DuckTales

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Este artículo es sobre la serie de televisión original de DuckTales de 1987. Para la serie 2017, ver DuckTales (2017 TV series).

Para otros usos, ver DuckTales (desambiguación).

DuckTales

DuckTales (Título principal).jpg

Género

Comedia-drama

Acción/Aventura

Ciencia fantasía

Misterio

Superhéroe

Basado en el Tío Scrooge

por Carl Barks

Desarrollado por Jymn Magon

Voces de

Alan Young

Russi Taylor

Chuck McCann

Terry McGovern

Frank Welker

Hal Smith

Joan Gerber

Campamento Hamilton

Junio Foray

Peter Cullen

Brian Cummings

Tony Anselmo

Compositor de música temática Mark Mueller

Tema de apertura "DuckTales" de Jeff Pescetto

Tema final "DuckTales" (Instrumental)

Compositor(es)

Ron Jones

Thomas Chase Jones

Steve Zuckerman (sólo pistas de sintetizador)

Steve Rucker (música adicional, sólo temporada 1)

País de origen Estados Unidos

Idioma(s) original(es) inglés(es)

Nº de estaciones 4

Nº de episodios 100 (101 segmentos) + 1 película (lista de episodios)

Producción

Productor(es)

Jymn Magon (Temporada 1-2)

Bob Hathcock (Temporada 2-4)

Alan Zaslove (Temporada 4)

Fred Wolf (supervisando, Temporada 1)

Tom Ruzicka (productor asociado, sólo temporada 1)

Coproductores:

Ken Koonce y David Weimers (temporada 2-4)

Alan Burnett (Temporada 3)

Duración 22 minutos

Empresa(s) de producción

Televisión Walt Disney

Animación de Walt Disney Television [a]

Distribuidor Buena Vista Television

Liberación

Sindicación en red original

Formato de imagen 480i (SDTV) 1080i (HDTV) (distribución digital)

Formato de audio

Estéreo

Mono (sólo piloto de cinco partes)

Estreno original el 18 de septiembre de 1987.

28 de noviembre de 1990

Cronología

Programas relacionados DuckTales (2017 TV series)

DuckTales es una serie de televisión animada americana, producida por Walt Disney Television Animation y distribuida por Buena Vista Television. La serie de dibujos animados se estrenó el 18 de septiembre de 1987, con un total de 100 episodios en cuatro temporadas, y su último episodio se emitió el 28 de noviembre de 1990. Basado en las historietas del Tío Scrooge y otros cómics del universo Duck creados por Carl Barks, el espectáculo sigue a Scrooge McDuck, sus tres sobrinos nietecitos Huey, Dewey y Louie, y amigos cercanos del grupo, en varias aventuras, la mayoría de las cuales involucran la búsqueda de tesoros o la frustración de los esfuerzos de los villanos que buscan robar la fortuna de Scrooge o su Number One Dime.

DuckTales ha recibido una franquicia de mercancía, incluyendo videojuegos y libros de historietas, junto con una película de animación titulada DuckTales the Movie: Treasure of the Lost Lamp, que se estrenó en los cines de todo Estados Unidos el 3 de agosto de 1990. La serie se destaca por ser la primera caricatura de Disney que se produce para la sindicación de los días laborables [1][2], con su éxito allanando el camino para futuras caricaturas de Disney, como Chip 'n Dale: Rescue Rangers y TaleSpin. El popular tema musical del programa fue escrito por Mark Mueller. Además, Launchpad McQuack volvió a aparecer en otra serie de animación de Disney, convirtiéndose en el personaje principal de Darkwing Duck.

En febrero de 2015, Disney XD anunció el renacimiento del espectáculo, con la intención de reiniciar la serie. La serie reiniciada se estrenó el 12 de agosto de 2017.

Contenido

1 Local

2 Elenco

3 Historia

3.1 Producción

3.2 Difusión

3.3 Legado

3.3.1 Apariciones de personajes en otros espectáculos

4 Episodios

5 Medios para el hogar

5.1 Liberaciones VHS

5.1.1 Publicaciones de la SHV en el Reino Unido, Australia y Nueva Zelanda

5.2 Lanzamientos de DVD

5.2.1 América del Norte (Región 1)

5.2.2 Internacional (Región 2)

5.2.3 Lengua hindi (Región 2, 4, 5)

5.3 Vídeo bajo demanda

6 Música

7 Recepción

7.1 Premios y nominaciones

7.2 Tema de la canción

8 Película teatral

9 Reiniciar

10 Mercancía

10.1 Videojuegos y juegos de ordenador

10.2 Libros

10.3 Cómics y libros de bolsillo comerciales

10.3.1 Cuentos de Patos

10.3.2 Las mejores historias de Carl Barks sobre cuentos de patos

10.3.3 BOOM! Revitalización de estudios

11 Internacional

12 Referencias

13 Enlaces externos

Premisa

Cuando el Pato Donald decide unirse a la Marina de los Estados Unidos, recluta a su tío Scrooge McDuck para que cuide de sus sobrinos, Huey, Dewey y Louie. Aunque es reacio a hacerlo debido a su hiperactividad, junto con su continua búsqueda de aumentar su riqueza y mantener una ética de negocios dura, finalmente se calienta con ellos al ver lo inteligentes e ingeniosos que son, y los lleva a su mansión, así como a una serie de aventuras. Además de ellos, el espectáculo cuenta con frecuentes apariciones de Gyro Gearloose, un personaje de cómic establecido, así como apariciones como invitado de Donald en la primera temporada - esto fue una aparición completa, o en una escena de cameo cuando Scrooge y sus sobrinos leen las cartas que les envía, y algunas apariciones menores de la vieja llama de Scrooge, Glittering Goldie, cuyo personaje fue adaptado de los libros de historietas. El programa introdujo nuevos personajes en el universo Duck, mientras que algunos eran menores, entre ellos: la niñera Mrs. Beakley, a quien Scrooge contrata para cuidar a sus sobrinos; la nieta de la Sra. Beakley, Webby; el piloto de Scrooge, Launchpad McQuack; Doofus Drake, irador de Launchpad y amigo íntimo de sus sobrinos; y el mayordomo de McDuck Manorth, Duckworth. La segunda temporada más tarde introdujo tres nuevos personajes adicionales como parte de las historias del programa: "Bubba Duck y sus triceratops Tootsie; y Fenton Crackshell, el contador personal de Scrooge que trabaja en secreto como un superhéroe llamado Gizmoduck.

Los principales villanos del programa son los de los cómics: Flintheart Glomgold, quien busca reemplazar a Scrooge como el "pato más rico del mundo"; los Beagle Boys, quienes buscan robarle su fortuna y a menudo su dinero; y Magica De Spell, quien busca robar su Number One Dime. A estos villanos se les hicieron algunos cambios -a diferencia de los cómicos, Flintheart es de ascendencia escocesa y lleva un par de piezas de atuendo escocés, incluyendo una falda escocesa; Mágica, que es italiana en los cómics, tiene un acento de Europa del Este, así como un hermano llamado Poe, que se transformó en un cuervo; los Beagle Boys tienen personalidades individuales y están encabezados por su madre, Ma Beagle, que a veces los saca de la cárcel para llevar a cabo sus planes con ella, pero que siempre evita ser capturado por la policía. La serie de dibujos animados también incluía una lista de villanos menores, la mayoría de los cuales buscaban reclamar la riqueza de Scrooge o ganarle para que la atesorara.

La mayoría de las historias utilizadas en el programa giran en torno a uno de los tres temas comunes: el primero se centra en los esfuerzos del grupo para frustrar los intentos de varios villanos de robar la fortuna de Scrooge o su Number One Dime; el segundo se centra en una carrera por el tesoro; el tercero se centra en personajes específicos dentro del programa. Aunque algunas historias son originales o están basadas en la serie de cómics de Barks, otras son pastiches sobre historias o leyendas clásicas, incluyendo personajes basados en personajes ficticios o históricos. DuckTales es bien conocido por sus muchas referencias a la cultura popular, incluyendo Shakespeare, Jack el Destripador, la mitología griega, James Bond, Indiana Jones, y Sherlock Holmes. Después de su primera temporada, el espectáculo se alejó de las historias de trotamundos, con aventuras enfocadas principalmente en Duckburg.

Elenco

Artículo principal: Lista de personajes de DuckTales

Alan Young como Scrooge McDuck

Russi Taylor como Huey, Dewey y Louie Duck y Webby Vanderquack

Chuck McCann como Duckworth el mayordomo, Burger Beagle y Bouncer Beagle

Terry McGovern como Launchpad McQuack (serie completa) y Babyface Beagle (temporada 1)

Frank Welker como Bigtime Beagle (serie entera), Baggy Beagle (serie entera), Poe (temporada 1), y Bubba (temporadas 2-4)

Hal Smith como Gyro Gyro Gearloose y Flintheart Glomgold

Joan Gerber como la Sra. Beakley y Glittering Goldie

Hamilton Camp como Fenton Crackshell/Gizmoduck (temporadas 2-4). Voces adicionales en la temporada 1

Junio Foray como Ma Beagle y Magica De Spell

Peter Cullen como Bankjob Beagle y el Almirante Grimitz (temporada 1)

Brian Cummings como Doofus Drake y Bugle Beagle (temporada 1). Voces adicionales en la temporada 3

Tony Anselmo como Pato Donald (temporada 1)

El espectáculo también contó con una serie de actores de voz adicionales que expresaron a varios personajes menores, entre los que se incluyen con mayor frecuencia los siguientes:

Susan Blu

Corey Burton

Jim Cummings

Miriam Flynn

Kathleen Freeman

Linda Gary

Richard Libertini

Tress MacNeille

Howard Morris

Alan Oppenheimer

Rob Paulsen

Will Ryan

Historia

Producción

Walt Disney Television Animation comenzó la producción de DuckTales en 1986, con la intención de tenerla lista para su estreno en 1987, y sus episodios se transmitieron dentro de un horario de 4 a 6 p.m., en un momento en el que más niños estarían viendo la televisión, en lugar de un horario matutino [3] Buscando crear una caricatura con animación de alta calidad, en comparación con otras caricaturas de los años ochenta que tenían un presupuesto mucho más bajo, la animación fue llevada a cabo por la compañía Wang Film Productions co. (sólo algunos episodios de 1987 y 1989-1990), Cuckoo's Nest Studio y Tokyo Movie Shinsha (sólo temporada 1), que ya habían sido utilizados en otros dos dibujos animados de Disney en 1985: The Wuzzles y Disney's Adventures of the Gummi Bears, los cuales habían demostrado en la televisión dibujos animados de mejor calidad que en años anteriores.Aunque los japoneses les proporcionaron más artistas disponibles para la caricatura, esto también incrementó los costos de producción, debido a los tipos de cambio entre el yen y el dólar, aunque Disney tenía la intención de invertir fuertemente en la producción de sus DuckTales, con planes para recuperar su dinero mediante la sindicación a través de su unidad de sindicación, Buena Vista Television, con un 2,5%.5/3,5. [3] Si bien este fue un concepto que funcionó bien con las repeticiones de televisión de acción en vivo, en el pasado sólo se había utilizado con series de dibujos animados baratas que reciclaban cortos teatrales de décadas pasadas o sólo contenían animación limitada y de bajo presupuesto, y por lo tanto nunca se había intentado con una serie de animación de alta calidad, por lo que la fuerte inversión se consideraba una jugada arriesgada [4].

Emisión

La caricatura se estrenó en todo el mundo entre el 18 y el 20 de septiembre de 1987 (la hora y la fecha varían según los mercados), con un especial de televisión titulado "El tesoro de los soles de oro", que más tarde se dividió en una serie de cinco partes en futuras retransmisiones [2]. La primera temporada, emitida entre 1987 y 1988, consistió en 65 episodios, el "número mágico" necesario para que un programa tuviera una sindicación de un día de la semana (cinco días a la semana durante trece semanas). Disney entonces comisionó tres temporadas más - la segunda temporada (emitida entre 1988 y 1989) consistió en dos especiales de televisión titulados "Time Is Money" y "Super DuckTales", con futuras repeticiones dividiéndolas en dos series de cinco partes; la tercera temporada (emitida entre 1989 y 1990) consistió en 18 episodios, formando un bloque de una hora de duración junto a Chip'n Dale: Rescue Rangers; y la cuarta temporada (emitida a finales de 1990) consistió en siete episodios (incluyendo tres episodios sin emitir destinados a la temporada anterior), que se utilizaron para formar un bloque sindicado de dos horas de duración llamado The Disney Afternoon, compuesto por DuckTales y otros tres dibujos animados de media hora.

La caricatura continuó en The Disney Afternoon hasta 1992 [5] Después de su salida de Disney Afternoon, DuckTales se emitió en repeticiones en el Disney Channel de 1992 a 2000. En octubre de 1995, se emitió como parte de un nuevo bloque de programación de dos horas llamado "Block Party" que se emitió en las tardes de los días laborables [6], volviendo a la sindicación entre 1997 y 1999. Las repeticiones se mostraron más tarde en Toon Disney [7][8] entre 1999 y finales de 2004.

Legado

El espectáculo fue un gran éxito para Disney, que decidió encargar otros dibujos animados con un nivel de calidad similar, entre los que se encontraban Chip'n Dale: Rescue Rangers, Darkwing Duck y TaleSpin. Además, DuckTales también produjo su propio largometraje, titulado DuckTales the Movie: Treasure of the Lost Lamp, que se estrenó en los cines el 3 de agosto de 1990 [9], junto con una franquicia de merchandising, que incluye juguetes, libros de historietas y videojuegos, una serie derivada y, finalmente, un renacimiento en 2017, que reinició la serie.

Apariciones de personajes en otros espectáculos

Huey, Dewey y Louie aparecieron en el video de prevención de drogas de 1990 Cartoon All-Stars to the Rescue.

Pato Darkwing (1991-92): Además de Launchpad McQuack como protagonista y Gizmoduck apareciendo esporádicamente, la cara de Scrooge aparece en el episodio "Tiff of the Titans", y Flintheart Glomgold, The Beagle Boys, y Magica De Spell hacen apariciones de cameo en el episodio "In Like Blunt".

Goof Troop (1992-93): En el episodio "The Ungoofables" aparecen dos de los Beagle Boys.

Raw Toonage (1992): Scrooge y Launchpad aparecen como estrellas invitadas.

Bonkers (1993-1994): En el episodio "The 29th Page" aparecen los Beagle Boys.

Aladino (1994-95): En el episodio "The Day The Bird Stood Still", el Genio se transforma en Scrooge.

Quack Pack (1996): Además de Donald, Ludwig y los sobrinos como protagonistas, el episodio "Nosy Neighbors" presenta a los Beagle Boys como un muñeco de ataque.

DuckTales (2017): El diseño original de Webby hace numerosas apariciones en el fondo de la serie reiniciada como una muñeca, y se utiliza en una broma en "The Other Bin of Scrooge McDuck" cuando Magica DeSpell convirtió la Webby de reboot en una muñeca.

Episodios

Artículo principal: Lista de episodios de DuckTales

Temporada Episodios Originalmente emitidos

Primer aireado Último aireado

1 65 18 de septiembre de 1987 1 de enero de 1988

2 10 24 de noviembre de 1988 26 de marzo de 1989

3 18 de septiembre de 1989 11 de febrero de 1990

El tesoro de la lámpara perdida 3 de agosto de 1990

4 7 de septiembre de 1990 28 de noviembre de 1990

Medios de comunicación en el hogar

Lanzamientos de VHS

En los Estados Unidos se publicaron 10 casetes VHS con dos episodios cada uno.

Título VHS Episodio(s) Fecha de publicación

"Cazador de fortunas sin miedo" 'Cazador de la Tierra'

Maestro de los Djinni' 31 de mayo de 1988

"Daredevil Ducks" 'The Money Vanishes''.

"Hogar Dulce Homero

"Héroe de alto vuelo""Héroe de alquiler

La guerra civil de Launchpad

"Marauders enmascarados" ``Enviar los clones??

Time Teasers' 4 de octubre de 1988

"Vagabundos del Mundo Perdidos" 'Patos Dinosaurios

La maldición del castillo McDuck' 9 de mayo de 1989

"Agáchate al Futuro" 'Agáchate al Futuro'.

Sir Gyro de Gearloose.

"Aventureros Accidentales" 'Jungle Duck'

Doncella del Mito' 28 de septiembre de 1989

"Marineros marineros" 'Esfinge de los recuerdos

"Todos los patos en la cubierta

"Raiders of the Lost Harp" 'Raiders of the Lost Harp''.

La Perla de la Sabiduría' 14 de agosto de 1990

"Space Invaders" 'Where no Duck Has Gone before

Micro Ducks from Outer Space'' (Micro Patos del espacio exterior)

Además, el episodio "Ducky Horror Picture Show" fue lanzado con el episodio "FrankenGoof" de Goof Troop en un cassette VHS titulado Monster Bash en 1993.

Lanzamientos de VHS en el Reino Unido, Australia y Nueva Zelanda

En el Reino Unido, Australia y Nueva Zelandia se publicaron 10 casetes VHS, cada uno de los cuales contenía dos o tres episodios.

Título VHS Episodio(s) Fecha de publicación

"Earthquack" 'Earth Quack''.

Back to the Klondike' 11 de septiembre de 1992

"Micro Ducks from Outer Space" 'Micro Ducks from Outer Space''.

Scrooge's Pet' 11 de septiembre de 1992

"La Corona Perdida de Genghis Khan" 'La Corona Perdida de Genghis Khan'

El dinero desaparece' 11 de septiembre de 1992

"1001 Arabian Ducks" 'Maestro de los Djinni

Aventura de Tiempo de Mérito' 11 de septiembre de 1992

"High Sea Adventures" 'Maid of the Myth''.

Enviar a los clones' 11 de septiembre de 1992

"Hotel Strangeduck" ``Hotel Strangeduck??

"¡Superdoo!" 11 de septiembre de 1992

"Loco del Nilo""Esfinge de los recuerdos

Top Duck' 10 de septiembre de 1993

"Pequeños Patos del Oeste"

La Guerra de las Sombras de los Magos' 10 de septiembre de 1993

"El pato de la cárcel""Donde ningún pato ha ido antes

"Pato de Aquatraz

Home Sweet Homer' 10 de septiembre de 1993

"Robots fugitivos" ``Robot Robbers'?

Sweet Duck of Youth' 10 de septiembre de 1993

Lanzamientos de DVD

América del Norte (Región 1)

Walt Disney Studios Home Entertainment ha lanzado la serie completa en DVD; en la Región 1 se han publicado cuatro volúmenes con los 100 episodios de la serie. El primero fue lanzado el 8 de noviembre de 2005 (conteniendo los episodios 1-27), el segundo el 14 de noviembre de 2006 (conteniendo los episodios 28-51) y el tercero el 13 de noviembre de 2007 (conteniendo los episodios 52-75)[10][11][12] El cuarto y último volumen fue lanzado como una exclusiva del Disney Movie Club el 11 de septiembre de 2018 (conteniendo los episodios 76-100). Los primeros tres volúmenes fueron empaquetados en una caja que contenía 3 estuches, uno para cada uno. Los relanzamientos de 2013 de los primeros tres volúmenes empaquetan los discos en un solo estuche de DVD.

DuckTales: Destination Adventure, una compilación en DVD de episodios del reinicio de 2017, contiene dos episodios de la serie original como características adicionales: "New Gizmo Kids on the Block" y "Ducky Mountain High". Estos episodios estaban disponibles antes de su inclusión en el volumen 4.

Los episodios están en el orden en que fueron emitidos originalmente (excepto la serie de cinco partes "El tesoro de los soles de oro", situada al principio del volumen 2). Ninguno de los juegos de DVD contiene características especiales.

Título del DVD Ep # Fecha de publicación

Volumen 1 27 Noviembre 8, 2005

Volumen 2 24 Noviembre 14, 2006

Volumen 3 24 Noviembre 13, 2007

Volumen 4 25 Septiembre 11, 2018 (Disney Movie Club)

Internacional (Región 2)

En el Reino Unido, Disney lanzó un volumen de la Región 2 en 2007, titulado DuckTales First Collection [13] A pesar de que el set era similar a la versión norteamericana, el DVD contenía sólo 20 episodios, mientras que tenía 5 pistas en el idioma: Inglés, francés, alemán, español e italiano. Otras versiones regionales fueron distribuidas a otros países, pero sólo hasta el episodio 20. El 12 de noviembre de 2012, el Reino Unido recibió dos nuevas versiones de la Colección 2 y la Colección 3, siendo una versión regional de los volúmenes 2 y 3 de Norteamérica. A diferencia de la primera versión, estos conjuntos de 3 discos incluyen un modo Fastplay y sólo cuatro pistas de idioma: Inglés, holandés, alemán y francés, pero no se han añadido subtítulos [14].

Actualmente no hay planes para lanzar el resto de la serie, o los siete episodios que faltan entre los dos primeros sets.

Título del DVD Ep # Fecha de publicación Idioma

Ducktales - 1st Collection 20 Febrero 12, 2007 Inglés, Francés, Alemán, Español e Italiano

Ducktales - 2nd Collection 24 Noviembre 12, 2012 Inglés, Holandés, Alemán y Francés

Cuentos de Patos - 3ª Colección 24

Idioma hindi (Región 2, 4, 5)

En la India, donde Duck Tales fue doblado en hindi para la transmisión de televisión en Doordarshan y la sindicación en Star Plus, 60 episodios de los primeros 70 episodios de las temporadas 1 y 2 fueron publicados por Sony DADC India bajo licencia de Disney India, en 20 volúmenes de DVD y CD de vídeo en formato PAL[15] Estos discos son compatibles con la Región 2, la Región 4 y la Región 5. Sin embargo, debido al número limitado de copias, se agotaron rápidamente. Cada DVD contenía sólo 3 episodios. Faltan los episodios 08, 10, 11, 22, 23, 24, 36, 55 y 61 del set liberado. El resto de los episodios a partir del episodio 70 a 100 (Super DuckTales de la temporada 2, y temporadas completas 3 y 4) aún no se han publicado en hindi en DVD.

Vídeo bajo demanda

Temporada Uno de DuckTales fue lanzado en Amazon Video en 2013 y era gratis para los de Amazon Prime, pero a partir del 28 de febrero de 2014, DuckTales Temporada 1 ya no es accesible a través de Amazon Video o Amazon Prime cuentas.

Desde el 11 de diciembre de 2015, algunos episodios de la primera temporada están disponibles en Netflix en Dinamarca, Finlandia, Noruega y Suecia. En Dinamarca, al menos, sólo 20 episodios de la primera temporada están disponibles en Netflix. Los episodios disponibles siguen el orden de emisión correcto, pero faltan algunos episodios. Por ejemplo, los episodios de Netflix no incluyen muchos episodios de la primera temporada, a pesar de que han sido doblados al danés. Entre los episodios que faltan están la Miniserie de las Cinco Partes, el "Tesoro del Sol de Oro", el "Pato de Aquatraz" y el "Pato Superior".

La serie completa está actualmente disponible para su compra en Amazon Instant Video en Alemania, con los episodios divididos en ocho temporadas diferentes.

iTunes y Amazon Instant Video en los Estados Unidos ofrecen actualmente toda la serie (con la excepción del episodio "Sphinx for the Memories") para su compra en formato SD, dividido en seis volúmenes a 14,99 dólares por volumen.

Música

El tema de la serie fue escrito por Mark Mueller, un compositor de música pop ganador del premio ASCAP que también escribió el tema a Chip 'n Dale Rescue Rangers; a Mueller se le pagó un poco más de $1000 por escribir la melodía [16].

Las partituras del episodio fueron escritas por Ron Jones. En contraste con la forma en que otros compositores estaban creando una partitura "condescendiente" y "linda" para el espectáculo, Jones dice que compuso la música teniendo en cuenta el público y su inteligencia. "Yo no tocaría la partitura como un programa para niños. Si se fueran a una aventura, jugaría en serio como los Raiders of the Lost Ark.

El tema de DuckTales fue cantado por Jeff Pescetto. Hay cuatro versiones diferentes de la canción principal. La versión original, que sirvió como tema de apertura del espectáculo, contenía un verso, un coro, un puente y luego un coro. Una versión más corta del tema de apertura fue usada en la alineación de The Disney Afternoon con la línea, "Everyday they're out there making Duck Tales, woo-ooh," sacada.

Una versión completa de la canción fue lanzada en la banda sonora de Disney Afternoon, el tercer volumen (que fue lanzado en un conjunto con los otros dos volúmenes) en The Music of Disney: un Legado en la canción junto con el tema completo de TaleSpin y en el lanzamiento de noviembre de 2013 de la colección de Disney Classics. Además, se oye en los créditos finales de DuckTales: Remasterizado y también publicado en su banda sonora oficial.

La versión completa contiene un segundo verso, e incluye un solo de guitarra, que se interpreta con un pedal de wah-wah para que suene como un sonido de pato. También tiene un final de fadeout, a diferencia de las otras versiones. También hay una rara versión extendida que se utilizó en la lectura a lo largo de los cassettes en 1987. Tiene un orden secuencial de verso-estribillo-puente-estribillo-estribillo instrumental-estribillo.

Según una entrevista realizada con Jeff Pescetto en 2009, fue ado originalmente por Mark Mueller para cortar una versión demo de la canción para su aprobación por parte de Disney. Aunque estaban impresionados con la demo de Pescetto, Disney había decidido al principio contratar al grupo de pop The Jets para que interpretara el tema de la canción para su transmisión. Sin embargo, después de grabar una versión con el grupo, Disney sintió que la canción necesitaba un estilo vocal diferente, y en su lugar encargó a Pescetto para interpretar el tema [17] Después de actuar en DuckTales, se le pidió a Pescetto que cantara los temas vocales para Chip 'n Dale Rescue Rangers (compuesto por Mueller y producido por Alf Clausen), Darkwing Duck (compuesto por Steve Nelson y Thom Sharp), y para The Disney Afternoon mismo. Los Jets, mientras tanto, más tarde interpretaron una versión completa de la canción de los Rescue Rangers en un video musical emitido por The Disney Channel en 1989.

Recepción

En enero de 2009, IGN incluyó a DuckTales en la lista de los 18 mejores programas de los 100 mejores programas de televisión animados [1] En 2013, WatchMojo.com clasificó a DuckTales como la serie de animación número uno de Disney [18].

Premios y nominaciones

Premios Emmy diurnos

1988 - Sobresaliente Programación Animada (nominada)

1989 - Programación Animada Destacada (nominada)

1989 - Excelente programación animada (para programar una hora o más) - "Super DuckTales" (ganado)

1990 - Extraordinario montaje de sonido de películas - Rich Harrison, Charlie King y Rick Hinson (ganador)

Tema de la canción

El tema de la canción ha sido ampliamente considerado como uno de los más memorables para un programa de televisión, con Dan Fletcher de la revista TIME señalando su impacto duradero a pesar de ser sólo una canción para niños: "Algunas de las letras podrían no tener sentido para los mayores de 10 años - no estamos seguros de cómo la vida en Duckburg es como un huracán, o exactamente lo que es un "borrón de pato" - pero la canción de DuckTales sigue siendo impresionante"[19][20][21][22] Un artículo de Vanity Fair señaló que la canción tiene una tendencia a pegarse en la cabeza de alguien, un fenómeno conocido como un gusano de las orejas [23].

Película teatral

Artículo principal: DuckTales la Película: El tesoro de la lámpara perdida

DuckTales la Película: Treasure of the Lost Lamp fue lanzado a nivel nacional en los Estados Unidos el 3 de agosto de 1990 por Walt Disney Pictures y Disney MovieToons, la división de animación de Disney TV y Disney . La película sigue a Scrooge McDuck y sus sobrinos mientras intentan derrotar al malvado hechicero Merlock para que no se apodere de la legendaria lámpara mágica [9].

La película fue bien recibida por la crítica y el público, pero no cumplió con las expectativas de taquilla [24] y varias secuelas planeadas fueron abandonadas como resultado de ello.

Reiniciar

Artículo principal: DuckTales (2017 TV series)

En febrero de 2015, Disney XD anunció el reinicio de la serie de televisión original de DuckTales. Se estrenó el 11 de agosto de 2017 [25] y tiene dos temporadas hasta ahora.

En mayo de 2015, Terry McGovern (la voz original de Launchpad McQuack) declaró en Facebook que todo el reparto de voz sería reemplazado, declarando que se sentía "mareado" por la noticia [26].

Mercancía

Artículo principal: Lista de productos de DuckTales

Video y juegos de ordenador

Artículos principales: DuckTales (videojuego), DuckTales 2, DuckTales: La búsqueda de oro, DuckTales: Scrooge's Loot, y DuckTales: Remasterizado

Capcom desarrolló un videojuego DuckTales que salió a la venta para la consola Nintendo Entertainment System y Game Boy en 1989. Una secuela del juego, DuckTales 2, fue lanzado para NES y Game Boy en 1993. Un juego de mano de Disney Ducktales LCD de Tiger Electronics también fue lanzado en 1990. Un juego móvil de DuckTales fue desarrollado por Artefact Games y publicado por Disney Mobile y lanzado para teléfonos móviles en 2011 en Moscú.

Un juego de plataformas diferente, DuckTales: The Quest for Gold, fue lanzado por Incredible Technologies para computadoras en 1990. DuckTales: Remastered, un remake en alta definición del juego original de Capcom, desarrollado por WayForward Technologies, fue lanzado por Disney Interactive para PlayStation Network, Nintendo eShop and Steam el 13 de agosto de 2013. También fue lanzado el 11 de septiembre de 2013 para Xbox Live Arcade. El 20 de agosto de 2013 salió a la venta una copia para PlayStation 3 con un código para descargar el juego y un pin de coleccionista de DuckTales [27].

Varios artículos de DuckTales aparecen en la caja de juguetes de la franquicia de Disney Infinity. En 1.0, el artículo de la papelera y los ciudadanos de Scrooge y Beagle Boy aparecen además del disco de poder "Scrooge's Lucky Dime". En 2.0, el montón de dinero de Scrooge y un retrato de Scrooge son elementos interiores además del exclusivo disco de poder "Scrooge's Top Hat" de iOS. En 3.0, se agregó un McQuack de Launchpad.

Launchpad fue un personaje seleccionable para el juego móvil titulado Disney Snow Sports en 2007.

Una aplicación fue lanzada por Disney a finales del verano y principios del otoño de 2013 llamada DuckTales: Scrooge's Loot, donde el jugador intenta recuperar el dinero robado por Flintheart Glomgold, Magica de Spell y los Beagle Boys.

Scrooge McDuck y Launchpad McQuack aparecieron en Disney Emoji Blitz en 2017.

Libros

DuckTales que lanza en los libros ilustrados de la parte del oro de Disney y fue publicado por Kodansha.

Cómics y libros de bolsillo comerciales

Cuentos de Patos

DuckTales tenía dos series de comics. La primera serie fue publicada por Gladstone Publishing y abarcó 13 números de 1988 a 1990, y la segunda serie fue publicada por Disney Comics y abarcó 18 números de 1990 a 1991. Disney también publicó una revista infantil basada en el programa, que también incluía cuentos cómicos, uno de los cuales fue escrito por Don Rosa. También se publicaron historias cómicas en la revista Disney Adventures de 1990 a 1996.

El 29 de agosto de 2007, Gemstone publicó un libro de bolsillo de Scrooge's Quest y el 7 de octubre de 2008 fue seguido por The Gold Odyssey; juntos recogen la mayor parte de la tirada de Disney Comics.

Cuentos de pato: La búsqueda de Scrooge

Cuentos de Patos Volumen 2 #1-7

Cuentos de pato: La Odisea del Oro

Cuentos de Patos Volumen 2 #9-15

Tesoros de Walt Disney

Reimpresión de la edición de títulos comerciales

Disney Comics: 75 años de innovación (2006) Ducktales Volumen 1 #4

Tío Scrooge: A Little Something Special (2008) Cuentos de Pato Volumen 1 #7

Las mejores historias de Carl Barks sobre cuentos de patos

El 24 de mayo y el 19 de julio de 2006, Gemstone publicó un libro en rústica de dos volúmenes sobre el comercio, Las mejores historias de cuentos de patos de Carl Barks. Los oficios contienen reimpresiones de historias escritas por Carl Barks que fueron adaptadas específicamente a episodios televisivos de DuckTales.

Ambos volúmenes comienzan con una introducción y comparan la historia original del cómic con su contraparte del episodio de DuckTales. El volumen 1 también incluye un artículo de dos páginas que profundiza en los detalles de la adaptación del espectáculo de la serie de cómics.

Volumen 1

Número de edición Historia

Four Color #456 Back to the Klondike

Uncle Scrooge #13 Land Beneath the Ground (El episodio se titulaba "Earthquack")

Tío Scrooge #65 Micro Patos del espacio exterior

Tío Scrooge #9 Lemming with the Locket (El episodio se titulaba "Scrooge's Pet")

Tío Scrooge #14 La Corona Perdida de Genghis Khan

Tío Scrooge #29 El sabueso de los Whiskerville (El episodio se titulaba "La maldición del castillo de McDuck")

Volumen 2

Número de edición Historia

Tío Scrooge #58 The Giant Robot Robbers (El episodio se titulaba "Robot Robbers")

Tío Scrooge #12 The Golden Fleecing

Tío Scrooge #3 La historia del rábano picante (El episodio se titulaba "Down and Out in Duckburg")

Tío Scrooge #41 El Buscador de Estatus

Tío Scrooge #38 The Unsafe Safe (El episodio se titulaba "The Unbreakable Bin")

Tío Scrooge #6 Tralla La (El episodio se titulaba "La Tierra de Tra-La-La")

BOOM! Revitalización de estudios

El 17 de febrero de 2011, BOOM! Los estudios anunciaron que una nueva serie de cómics de DuckTales comenzaría en mayo de 2011 [28] bajo su sello kaboom! La serie fue escrita por Warren Spector (autor del videojuego Epic Mickey) con arte de Leonel Castellani y José Massaroli [29] y tuvo una duración de 6 números, con los dos últimos cruzando con Darkwing Duck. El BOOM! El cómic de Studios será reimpreso en Disney's Afternoon Giant, de IDW Publishing, en octubre de 2018 [30].

Cuentos de pato: Propietarios legítimos

Cuentos de Patos #1-4

Darkwing Duck/Ducktales: Moneda peligrosa

Ducktales #5-6 y Darkwing Duck #17-18

Antes de la actualización de su cómic DuckTales, BOOM Kids (más tarde llamado Kaboom!) presentaba historias de cómic de DuckTales producidas internacionalmente, nunca antes vistas en los Estados Unidos en los números 392-399 del cómic de Uncle Scrooge. Estos números, publicados en 2010-2011, fueron recopilados en dos volúmenes en rústica [31].

El tío Scrooge en DuckTales: Como un huracán

Tío Scrooge #392-395

El tío Scrooge en DuckTales: Los musgos se convierten en éxitos

Tío Scrooge #396-399

Internacional

El éxito de DuckTales llevó a la traducción del programa a muchos idiomas. Presentado junto con Chip 'n Dale Rescue Rangers en un programa dominical titulado Walt Disney Presents, el programa se estrenó en la antigua Unión Soviética en 1991, la primera caricatura americana mostrada en la región después de la Guerra Fría. Un año más tarde, Darkwing Duck también fue añadido a esta alineación. Sin embargo, el tema principal del programa (escrito por Mark Mueller y cantado originalmente por Jeff Pescetto) permaneció en inglés durante varios episodios. La primera versión rusa de la canción fue reemplazada a mitad de la serie con una versión alternativa que contenía letras completamente diferentes.

La serie se emitió en la India en Doordarshan, doblada en hindi. El tema del título fue cantado en hindi por Chetan Shasital. Los largometrajes fueron doblados y los episodios tienen un reparto de voz de Chetan Shasital, Javed Jaffery, Rakshanda Khan y otros. En muchos países, el tema fue interpretado por cantantes muy conocidos (como en Finlandia, donde fue cantado por Pave Maijanen, o en Alemania, donde fue cantado por Thomas Anders en inglés).

En los países de habla hispana de América Latina, la serie se llamó Pato aventuras. Scrooge McDuck se llama "Rico Mato" y los sobrinos fueron traducidos como Hugo, Paco y Luis, conservando los nombres de las caricaturas vintage y los cómics traducidos. En España, mientras que en la primera emisión se utilizó el dub latinoamericano, posteriormente se produjo un dub local de alta calidad, manteniendo los nombres locales "Gilito/Juanito/Jaimito/Jorgito" para los personajes. En Brasil, la serie se llamaba "Duck Tales: os Caçadores de Aventuras" (Cuentos de Patos: los Cazadores de Aventuras).

En Italia, la serie se llamó Avventure di paperi.

En Francia, la serie se llamaba La bande à Picsou (La banda de McDuck)[32]. El nombre francés de Scrooge McDuck es Balthazar Picsou. El apellido de Scrooge, Picsou, proviene de la expresión sa Pique-Sou, que hace hincapié en el comportamiento tacaño de Scrooge. Huey Dewey y Louie se llaman Fifi, Riri y Loulou.

En Hungría, el término "generación de los cuentos de patos" (Kacsamesék generáció) se refiere a las personas que nacieron a principios o mediados de los años ochenta, porque la muerte de József Antall, el primer Primer Ministro de Hungría elegido democráticamente, se anunció durante un episodio de los cuentos de patos en 1993. Este fue el primer encuentro de la generación con la política [33].

En Rumania, la serie se llamó Povești cu Mac-Mac (Historias con Mac-Mac). Sólo los episodios 1-65 fueron doblados y transmitidos. Scrooge McDuck fue doblado por un conocido actor, Gheorghe Dinică, hasta su muerte (sólo quedan 5 episodios después de su muerte). Después de la muerte de Gheorghe Dinică, Valentin Uritescu apodó Scrooge (episodios 50, 57, 60, 64, 65). Además, Angela Filipescu aportó las voces de Huey, Dewey y Louie, Tamara Buciuceanu-Botez aportó la voz de la Sra. Beakley, Mihaela Mitrache fue Webbigail junto con el gran maestro Cornel Vulpe como Duckworth. La serie se emitió en Prima TV y se emitió por primera vez en TVR1 en 1994, y el estudio de doblaje que proporciona la versión rumana es Ager Film. La canción de introducción fue interpretada por un ganador del Festival Mamaia, Alin Cibian [34].

En Filipinas, la serie se emitió en la red GMA de 1988 a 1993.

Cine negro

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Para el álbum de Carly Simon, ver Film Noir (álbum).

Cine negro

BigComboTrailer.jpg

Dos figuras en forma de silueta en The Big Combo (1955). El director de fotografía de la película fue John Alton, el creador de muchas de las imágenes estilizadas del cine negro.

Años de actividad principios de la década de 1920 - finales de la década de 1950

País Estados Unidos

Influye en el expresionismo alemán,

Realismo poético francés,

Neorrealismo italiano,

Ficción americana de ficción dura,

Art Deco (escenografía)

Influencia de la Nueva Ola sa, Neo-noir

Film noir (/nwɑːr/; French:[film nwaʁ]) es un término cinematográfico que se utiliza principalmente para describir los elegantes dramas policíacos de Hollywood, especialmente aquellos que enfatizan actitudes cínicas y motivaciones sexuales. El período de cine negro clásico de Hollywood se considera generalmente que se extiende desde principios de la década de 1920 hasta finales de la década de 1950. El cine negro de esta época se asocia con un estilo visual discreto, en blanco y negro, que tiene sus raíces en la cinematografía expresionista alemana. Muchas de las historias prototípicas y gran parte de la actitud del cine negro clásico se derivan de la dura escuela de ficción criminal que surgió en Estados Unidos durante la Gran Depresión.

El término cine negro, que en francés significa "película negra" (literal) o "película oscura" (significado más cercano),[1] fue aplicado por primera vez a las películas de Hollywood por el crítico francés Nino Frank en 1946, pero no fue reconocido por la mayoría de los profesionales de la industria cinematográfica americana de la época. [2] Los historiadores y críticos de cine definieron la categoría retrospectivamente. Antes de que la noción fuera ampliamente adoptada en los años setenta, muchos de los clásicos del cine negro eran conocidos como "melodramas". El hecho de que el cine negro sea un género distinto es un tema de debate permanente entre los estudiosos.

El cine negro abarca una serie de tramas: la figura central puede ser un investigador privado (The Big Sleep), un policía de paisano (The Big Heat), un viejo boxeador (The Set-Up), un estafador desventurado (Night and the City), un ciudadano respetuoso de la ley atraído a una vida de crimen (Gun Crazy), o simplemente una víctima de las circunstancias (D.O.A.). Aunque el cine negro se asociaba originalmente con las producciones americanas, el término se ha utilizado para describir películas de todo el mundo. Muchas películas estrenadas a partir de los años sesenta comparten atributos con las películas negras del periodo clásico, y a menudo tratan sus convenciones de forma autorreferencial. Algunos se refieren a estas obras de los últimos días como neo-noir. Los clichés del cine negro han inspirado la parodia desde mediados de los años cuarenta.

Contenido

1 Problemas de definición

2 Antecedentes

2.1 Fuentes cinematográficas

2.2 Fuentes literarias

3 Período clásico

3.1 Descripción general

3.2 Los directores y el negocio del cine negro

4 Fuera de los Estados Unidos

5 Neo-noir y ecos del modo clásico

5.1 Décadas de 1960 y 1970

5.2 Décadas de 1980 y 1990

5.3 2000 y 2010

5.4 Ciencia ficción negra

6 Parodias

7 Características de identificación

7.1 Estilo visual

7.2 Estructura y dispositivos narrativos

7.3 Gráficos, caracteres y ajustes

7.4 Visión del mundo, moralidad y tono

8 Ver también

9 Notas

10 Referencias

11 Fuentes

12 Lecturas complementarias

13 Enlaces externos

Problemas de definición

Archivo:El desconocido (1946).webm

The Stranger, película completa

Las preguntas sobre lo que define el cine negro y qué tipo de categoría es, provocan un continuo debate [3] "Estaríamos simplificando demasiado las cosas al llamar al cine negro onírico, extraño, erótico, ambivalente y cruel..."Este conjunto de atributos constituye el primero de muchos intentos de definir el cine negro realizados por los críticos ses Raymond Borde y Étienne Chaumeton en su libro Panorama du film noir américain 1941-1953 (Un panorama del cine negro americano), el tratamiento original y seminal extendido del tema.Las advertencias de los autores y los repetidos esfuerzos por una definición alternativa se han visto reflejados en los estudios posteriores: en las más de cinco décadas transcurridas desde entonces, ha habido innumerables intentos de definición, pero en palabras del historiador de cine Mark Bould, el cine negro sigue siendo un "fenómeno escurridizo... siempre fuera de su alcance"[6].

Aunque el cine negro se identifica a menudo con un estilo visual, poco convencional dentro del contexto de Hollywood, que enfatiza la iluminación de bajo perfil y las composiciones desequilibradas,[7] las películas comúnmente identificadas como noir evidencian una variedad de enfoques visuales, incluyendo aquellos que encajan cómodamente dentro de la corriente principal de Hollywood.El cine negro también abarca una variedad de géneros, desde la película de gángsters hasta el procedimiento policial, pasando por el romance gótico y la fotografía de problemas sociales, cualquier ejemplo de los cuales, en los años cuarenta y cincuenta, ahora considerados como la era clásica del cine negro, era probable que se describiera como un melodrama en ese momento [9].

Mientras que muchos críticos se refieren al cine negro como un género en sí mismo, otros sostienen que no puede ser tal cosa [10] Foster Hirsch define un género como determinado por "convenciones de estructura narrativa, caracterización, tema y diseño visual". Hirsch, como quien ha tomado la posición de que el cine negro es un género, argumenta que estos elementos están presentes "en abundancia". Hirsch observa que hay rasgos unificadores de tono, estilo visual y narrativa suficientes para clasificar al cine negro como un género distinto [11].

Otros sostienen que el cine negro no es un género. El cine negro se asocia a menudo con un entorno urbano, pero muchos de los noirs clásicos tienen lugar en pequeños pueblos, suburbios, zonas rurales o en la carretera; por lo tanto, el escenario no puede ser su género determinante, como en el caso de Occidente. Del mismo modo, mientras que el ojo privado y la femme fatale son tipos de personajes convencionalmente identificados con el cine negro, la mayoría de los films noirs tampoco lo son; por lo tanto, no existe una base de carácter para la designación de género como en el caso de las películas de gángsters. Tampoco el cine negro se basa en nada tan evidente como los elementos monstruosos o sobrenaturales de la película de terror, los saltos especulativos de la película de ciencia ficción, o las rutinas de canto y baile del musical [12].

Un caso análogo es el de la comedia chiflada, ampliamente aceptada por los historiadores del cine como un "género": la comedia chiflada no se define por un atributo fundamental, sino por una disposición general y un conjunto de elementos, algunos de los cuales, aunque raramente y tal vez nunca todos, se encuentran en cada una de las películas de este género [13] Debido a la diversidad del cine negro (mucho mayor que la de la comedia chiflada), algunos eruditos, como el historiador cinematográfico Thomas Schatz, la tratan como si no fuera un género, sino como un "estiloAlain Silver, el crítico norteamericano especializado en estudios cinematográficos más ampliamente publicado, se refiere al cine negro como un "ciclo"[15] y un "fenómeno",[16] aun cuando argumenta que tiene, como ciertos géneros, un conjunto consistente de códigos visuales y temáticos.Otros críticos tratan el cine negro como un "estado de ánimo",[18] lo caracterizan como una "serie",[19] o simplemente se dirigen a un conjunto de películas que consideran pertenecientes al "canon" del cine negro. [20] No hay consenso al respecto. [21]

Antecedentes

Fuentes cinematográficas

Marlene Dietrich, una actriz a la que con frecuencia se le pide que interprete a una mujer fatal.

La estética del cine negro está influenciada por el expresionismo alemán, un movimiento artístico de los años 1910 y 1920 que incluía teatro, fotografía, pintura, escultura y arquitectura, así como cine. Las oportunidades que ofrece el auge de la industria cinematográfica de Hollywood y la amenaza del nazismo, llevaron a la emigración de muchos artistas cinematográficos que trabajaban en Alemania y que habían participado en el movimiento expresionista o estudiado con sus practicantes [22] M (1931), rodada pocos años antes de la salida del director Fritz Lang de Alemania, es una de las primeras películas policíacas de la era sonora que combina un estilo visual característico del cine negro con una trama de tipo negro, en la que el protagonista es un delincuente (al igual que sus perseguidores de mayor éxito). Directores como Lang, Robert Siodmak y Michael Curtiz trajeron un estilo de iluminación con sombras dramáticas y un enfoque psicológicamente expresivo de la composición visual (puesta en escena), con ellos a Hollywood, donde hicieron algunos de los noirs clásicos más famosos [23].

Para 1931, Curtiz ya había estado en Hollywood durante media década, haciendo hasta seis películas al año. Películas suyas como 20.000 años en Sing Sing Sing (1932) y Private Detective 62 (1933) se encuentran entre las primeras películas sonoras de Hollywood que podrían clasificarse como noir-scholar. Marc Vernet ofrece estas últimas como prueba de que datar la iniciación del cine negro en 1940 o en cualquier otro año es "arbitrario".24] Los cineastas orientados al expresionismo tenían rienda suelta en las películas de terror Universal como Drácula (1931), La momia (1932) -la primera fotografiada y la segunda dirigida por Karl Freund- y El gato negro (1934), dirigida por el emigrante austriaco Edgar G. Ulmer [25] La película de terror universal que más se acerca al cine negro, en historia y sensibilidad, es El hombre invisible (1933), dirigida por el inglés James Whale y fotografiada por el estadounidense Arthur Edeson. Edeson más tarde fotografió El Halcón Maltés (1941), ampliamente considerado como la primera gran película negra de la era clásica [26].

Josef von Sternberg dirigió en Hollywood durante el mismo período. Películas suyas como Shanghai Express (1932) y El diablo es una mujer (1935), con su erotismo de invernadero y su estilo visual barroco, anticiparon elementos centrales del cine negro clásico. El éxito comercial y crítico de la película muda Underworld (1927) de Sternberg fue en gran medida el responsable de estimular una tendencia de las películas de gángsters de Hollywood [27]; películas exitosas en ese género como Little Caesar (1931), The Public Enemy (1931) y Scarface (1932) demostraron que había una audiencia para los dramas policíacos con protagonistas moralmente reprensibles.Un antecedente cinematográfico importante, posiblemente influyente, del cine negro clásico fue el realismo poético francés de los años 30, con su actitud romántica y fatalista y la celebración de héroes condenados [29] La sensibilidad del movimiento se refleja en la obra de Warner Bros. El drama I Am a Fugitive from a Chain Gang (1932), precursor del cine negro [30] Entre las películas que no se consideran cine negro, quizás ninguna tuvo un efecto mayor en el desarrollo del género que Citizen Kane (1941), dirigida por Orson Welles. Su complejidad visual y su compleja estructura narrativa de voz en off se reflejan en docenas de películas noir clásicas [31].

El neorrealismo italiano de los años cuarenta, con su énfasis en la autenticidad cuasi-documental, fue una influencia reconocida en las tendencias que surgieron en el cine negro estadounidense. El fin de semana perdido (1945), dirigido por Billy Wilder, otro autor estadounidense nacido en Viena y formado en Berlín, cuenta la historia de un alcohólico de una manera que evoca el neorrealismo [32] y ejemplifica el problema de la clasificación: una de las primeras películas americanas en ser descritas como cine negro, que ha desaparecido en gran medida de las consideraciones del campo [33] El director Jules Dassin de The Naked City (La ciudad desnuda) (1948) apuntó a los neorrealistas como inspirador de su uso de la fotografía del lugar con extras no profesionales. Este enfoque semidocumental caracterizó a un número considerable de noirs a finales de los años cuarenta y principios de los cincuenta. Junto con el neorrealismo, el estilo tuvo un precedente americano citado por Dassin, en The House on 92nd Street (1945) del director Henry Hathaway, que demostró la influencia paralela del noticiero cinematográfico [34].

Fuentes literarias

Portada de revista con la ilustración de una joven pelirroja de aspecto aterrorizado amordazada y atada a un poste. Lleva puesta una blusa amarilla de corte bajo y brazos y una falda roja. Delante de ella, un hombre con una gran cicatriz en la mejilla y una expresión furiosa calienta una plancha de hierro sobre una estufa de gas. En el fondo, un hombre que lleva una gabardina y un sombrero de fieltro y sostiene un revólver entra por una puerta. El texto incluye el eslogan "Smashing Detective Stories" y el título de la historia de portada, "Finger Man".

El número de octubre de 1934 de Máscara Negra presentaba la primera aparición del personaje de detective que Raymond Chandler convirtió en el famoso Philip Marlowe [35].

La principal influencia literaria en el cine negro fue la dura escuela del detective y la ficción policíaca estadounidenses, dirigida en sus primeros años por escritores como Dashiell Hammett (cuya primera novela, Cosecha Roja, fue publicada en 1929) y James M. Cain (cuya novela El cartero siempre suena dos veces cinco años más tarde), y popularizada en revistas de pulpa como Black Mask. Las películas clásicas The Maltese Falcon (El Halcón Maltés) (1941) y The Glass Key (La Llave de Cristal) (1942) se basaron en novelas de Hammett; las novelas de Caín sirvieron de base para Double Indemnity (Doble Indemnización) (1944), Mildred Pierce (1945), The Postman Always Rings Twice (El Cartero Siempre Anillos Dos Veces) (1946), y Slightly Scarlet (Un poco escarlata) (1956); adaptadas de Lovely Counterfeit). Una década antes de la era clásica, una historia de Hammett fue la fuente del melodrama gangster City Streets (1931), dirigido por Rouben Mamoulian y fotografiado por Lee Garmes, que trabajaba regularmente con Sternberg. City Streets, estrenada el mes anterior a M de Lang, tiene la pretensión de ser la primera película negra importante; tanto su estilo como su historia tenían muchas características de cine negro [36].

Raymond Chandler, que debutó como novelista con The Big Sleep en 1939, pronto se convirtió en el autor más famoso de la dura escuela. Las novelas de Chandler no sólo se convirtieron en grandes noirs -Murder, My Sweet (1944; adaptada de Farewell, My Lovely), The Big Sleep (El gran sueño) (1946) y Lady in the Lake (1947)-, sino que también fue un importante guionista en el género, produciendo los guiones de Double Indemnity, The Blue Dahlia (La dalia azul) (1946) y Strangers on a Train (Extraños en un tren) (1951). Mientras que Chandler, como Hammett, centraba la mayoría de sus novelas e historias en el personaje del detective privado, Cain presentaba protagonistas menos heroicos y se centraba más en la exposición psicológica que en la resolución de crímenes;[37] el enfoque de Cain se ha llegado a identificar con un subconjunto del género duro denominado "ficción negra". Durante gran parte de la década de 1940, uno de los autores más prolíficos y exitosos de este cuento de suspense, a menudo deprimente, fue Cornell Woolrich (a veces bajo el seudónimo de George Hopley o William Irish). El trabajo publicado de ningún escritor proporcionó la base para más películas noir del período clásico que el de Woolrich: trece en total, incluyendo Black Angel (1946), Deadline at Dawn (1946), y Fear in the Night (1947)[38].

Otra fuente literaria crucial para el cine negro fue W. R. Burnett, cuya primera novela que se publicó fue Little Caesar, en 1929. Se convirtió en un éxito para Warner Bros. en 1931; al año siguiente, Burnett fue contratado para escribir diálogos para Scarface, mientras que La bestia de la ciudad (1932) fue adaptada de una de sus historias. Al menos una importante obra de referencia identifica a esta última como una película negra a pesar de su antigüedad [39]. El enfoque narrativo característico de Burnett se situaba en algún punto entre el de los escritores de ficción negra por excelencia y el de sus compatriotas de ficción negra: sus protagonistas eran a menudo heroicos a su manera, que resultaba ser la de un gángster. Durante la era clásica, su obra, ya sea como autor o como guionista, fue la base de siete películas que hoy en día se consideran cine negro, entre ellas tres de las más famosas: High Sierra (1941), This Gun for Hire (1942) y The Asphalt Jungle (1950)[40].

Período clásico

Panorama general

Las décadas de 1940 y 1950 son generalmente consideradas como el "período clásico" del cine negro estadounidense. Mientras que City Streets y otros melodramas de crímenes anteriores a la Segunda Guerra Mundial como Fury (1936) y You Only Live Once (1937), ambos dirigidos por Fritz Lang, están categorizados como noir en toda regla en la enciclopedia de cine negro de Alain Silver y Elizabeth Ward, otros críticos tienden a describirlos como "proto-noir" o en términos similares [41].

La película que ahora se cita con más frecuencia como la primera película negra "verdadera" es Stranger on the Third Floor (1940), dirigida por Boris Ingster, nacido en Letonia y formado en la Unión Soviética [42] El emigrante húngaro Peter Lorre -que había actuado en la película M de Lang- fue el protagonista principal, aunque no fue el protagonista principal. Más tarde desempeñó papeles secundarios en varios otros noirs formativos americanos. Aunque modestamente presupuestado, en el extremo superior de la escala de la película B, Stranger on the Third Floor todavía perdió su estudio, RKO, 56.000 dólares (equivalentes a 1.001.482 dólares en 2018), casi un tercio de su costo total [43]: "...demasiado estudiado y cuando es original, carece de la bengala para mantener la atención. Es una película demasiado artística para el público medio y demasiado monótona para los demás"[44] Stranger on the Third Floor no fue reconocida como el principio de una tendencia, y mucho menos como un nuevo género, durante muchas décadas [42].

Quienquiera que fuera al cine con regularidad durante 1946 se vio atrapado en medio del profundo afecto de Hollywood por el drama morboso de la posguerra. De enero a diciembre, sombras profundas, manos agarradas, revólveres que explotan, villanos sádicos y heroínas atormentadas con enfermedades mentales profundamente arraigadas aparecieron en la pantalla en una exhibición de jadeo de psiconeurosis, sexo sin sublimación y asesinato de lo más asqueroso.

Donald Marshman, Life (25 de agosto de 1947)[45]

La mayoría de las películas negras del período clásico eran también películas de bajo presupuesto y de presupuesto modesto, sin grandes estrellas: películas B, ya sea literalmente o en espíritu. En este contexto de producción, los escritores, directores, cinematógrafos y otros artesanos estaban relativamente libres de las típicas limitaciones de la gran pantalla. Había más experimentación visual que en el cine de Hollywood en su conjunto: el expresionismo ahora estrechamente asociado al cine negro y el estilo semidocumental que surgió más tarde representan dos tendencias muy diferentes. Las estructuras narrativas a veces implicaban flashbacks enrevesados poco comunes en las producciones comerciales no novelescas. En términos de contenido, la aplicación del Código de Producción aseguró que ningún personaje de la película pudiera literalmente salirse con la suya o ser visto compartiendo la cama con alguien que no fuera su cónyuge; sin embargo, dentro de esos límites, muchas películas ahora se identifican como elementos de la trama de un largometraje negro y diálogos que eran muy arriesgados para la época [46].

Imagen en blanco y negro de un hombre y una mujer sentados uno al lado del otro en un sofá, vistos en ángulo. El hombre, de perfil en el primer plano izquierdo, mira fijamente a la derecha del cuadro. Lleva una gabardina y su cara está ensombrecida por un sombrero. Tiene un cigarrillo en la mano izquierda. La mujer, a la derecha y a la retaguardia, lo mira fijamente. Lleva un vestido oscuro y un lápiz labial de un tono profundamente saturado.

Out of the Past (1947) presenta muchos de los sellos distintivos del género: un cínico detective privado como protagonista, una mujer fatal, múltiples flashbacks con narración de voz en off, fotografías con sombras dramáticas y un estado de ánimo fatalista fermentado con bromas provocativas. La película está protagonizada por los iconos del cine negro Robert Mitchum y Jane Greer.

Temáticamente, las películas negras eran más excepcionales por la frecuencia relativa con la que se centraban en las mujeres de virtud cuestionable, un enfoque que se había vuelto raro en las películas de Hollywood después de mediados de la década de 1930 y el final de la era pre-codificada. La película de señales en este sentido fue Double Indemnity, dirigida por Billy Wilder; el escenario fue la inolvidable femme fatale de Barbara Stanwyck, Phyllis Dietrichson, una aparente inclinación de cabeza hacia Marlene Dietrich, que había construido su extraordinaria carrera interpretando a estos personajes para Sternberg. El éxito comercial de la película y sus siete nominaciones a los Oscar la convirtieron en la película más influyente de las primeras películas negras [47], a las que siguieron un montón de "chicas malas" del cine negro, como las interpretadas por Rita Hayworth en Gilda (1946), Lana Turner en The Postman Always Rings Twice (1946), Ava Gardner en The Killers (1946), y Jane Greer en Out of the Past (1947). La icónica contraparte del cine negro a la femme fatale, el ojo privado, salió a la luz en películas como El Halcón Maltés (1941), con Humphrey Bogart como Sam Spade, y Murder, My Sweet (1944), con Dick Powell como Philip Marlowe.

El predominio del ojo privado como protagonista declinó en el cine negro de los años 50, período durante el cual varios críticos describen la forma como cada vez más centrada en las psicologías extremas y más exagerada en general [48] Un ejemplo de ello es Kiss Me Deadly (1955); basado en una novela de Mickey Spillane, el superventas de todos los autores de libros duros, aquí el protagonista es un ojo privado, Mike Hammer. Como lo describe Paul Schrader, "la dirección burlona de Robert Aldrich lleva al cine negro a su más sórdido y perversamente erótico. Hammer vuelca el inframundo en busca del "gran qué"[que] resulta ser -una broma de chistes- una bomba atómica que explota"[49] El estilo barroco de Touch of Evil (1958) de Orson Welles es frecuentemente citado como el último noir del período clásico.Algunos estudiosos creen que el cine negro nunca terminó, pero continuó transformándose incluso cuando el característico estilo visual del cine negro comenzó a parecer anticuado y las cambiantes condiciones de producción llevaron a Hollywood en diferentes direcciones: en este punto de vista, las películas posteriores a la década de 1950 en la tradición del cine negro se ven como parte de una continuidad con el cine negro clásico [51] Sin embargo, la mayoría de los críticos consideran que las películas comparables hechas fuera de la era clásica son algo distinto de los auténticos filmes negros. Consideran que el verdadero cine negro pertenece a un ciclo o período temporal y geográficamente limitado, tratando las películas posteriores que evocan a los clásicos como fundamentalmente diferentes debido a los cambios generales en el estilo de hacer cine y a la conciencia actual del cine negro como una fuente histórica de alusiones [52].

Los directores y el negocio del cine negro

Imagen en blanco y negro de un hombre y una mujer, ambos con expresiones de abatimiento, sentados uno al lado del otro en el asiento delantero de un descapotable. El hombre de la derecha agarra el volante. Lleva una chaqueta y una camisa de jersey. La mujer lleva un traje de cuadros. Detrás de ellos, por la noche, la carretera está vacía, con dos luces muy separadas a lo lejos.

Una escena de In a Lonely Place (1950), dirigida por Nicholas Ray y basada en una novela de la escritora de ficción negra Dorothy B. Hughes. Dos de los actores del cine negro, Gloria Grahame y Humphrey Bogart, retratan a amantes cruzados de estrellas en la película.

Mientras que el noir inicial, Stranger on the Third Floor, era una película B dirigida por un desconocido virtual, muchos de los noirs cinematográficos que aún se recuerdan eran producciones de la lista A de reconocidos cineastas. Debutó como director con The Maltese Falcon (El Halcón Maltés) (1941), seguido por Key Largo (1948) y The Asphalt Jungle (1950). La opinión está dividida en cuanto a la situación del cine negro de varios thrillers de la época de Alfred Hitchcock; al menos cuatro de ellos se clasifican por consenso: Sombra de una duda (1943), Notorious (1946), Strangers on a Train (1951) y The Wrong Man (1956)[53] El éxito de Otto Preminger con Laura (1944) hizo su nombre y ayudó a demostrar la adaptabilidad del noir a una presentación de alto brillo de 20th Century-Fox.54] Entre los directores más célebres de Hollywood de la época, posiblemente ninguno trabajó más a menudo en modo noir que Preminger; sus otros noirs incluyen Fallen Angel (1945), Whirlpool (1949), Where the Sidewalk Ends (1950) (todos para Fox) y Angel Face (1952). Media década después de Double Indemnity y The Lost Weekend, Billy Wilder hizo Sunset Boulevard (1950) y Ace in the Hole (1951), novelas que no eran tanto dramas de crímenes como sátiras sobre Hollywood y los medios de comunicación. En un lugar solitario (1950) fue el gran avance de Nicholas Ray; sus otros noirs incluyen su debut, They Live by Night (1948) y On Dangerous Ground (1952), conocidos por su tratamiento inusualmente comprensivo de personajes alienados de la corriente social [55].

Rita Hayworth en el trailer de The Lady from Shanghai (1947)

Orson Welles tenía problemas notorios de financiación, pero sus tres películas negras estaban bien presupuestadas: La dama de Shangai (1947) recibió un respaldo de "prestigio" de alto nivel, mientras que The Stranger, su película más convencional y Touch of Evil, una obra inconfundiblemente personal, fueron financiadas a niveles inferiores, pero aún proporcionales a los de los estrenos principales [56] Como The Stranger, The Woman in the Window (1945) de Fritz Lang fue una producción de la independiente International Pictures. La continuación de Lang, Scarlet Street (1945), fue uno de los pocos noirs clásicos que fueron oficialmente censurados: lleno de insinuaciones eróticas, fue prohibido temporalmente en Milwaukee, Atlanta y el Estado de Nueva York [57]. Scarlet Street era una semi-independiente, copatrocinada por Universal y Diana Productions de Lang, de la cual la coprotagonista de la película, Joan Bennett, era el segundo accionista principal. Lang, Bennett y su esposo, el veterano de Universal y director de producción de Diana Walter Wanger, hicieron El secreto más allá de la puerta (1948) de manera similar [58].

Antes de salir de los Estados Unidos mientras estaba sujeto a la lista negra de Hollywood, Jules Dassin hizo dos noirs clásicos que también se sentaban a horcajadas sobre la línea independiente principal: Brute Force (1947) y el influyente estilo documental The Naked City fueron desarrollados por el productor Mark Hellinger, quien tenía un contrato "dentro/fuera" con Universal similar al de Wanger [59] Años antes, trabajando en Warner Bros, Hellinger había producido tres películas para Raoul Walsh, los proto-noirs They Drive by Night (1940), Manpower (1941) y High Sierra (1941), ahora considerados como una obra seminal en el desarrollo del cine negro [60] Walsh no tuvo un gran nombre durante su medio siglo como director, pero sus noirs White Heat (1949) y The Enforcer (1951) tenían estrellas de la lista A y son vistos como ejemplos importantes del ciclo.61] Otros directores asociados con el cine negro de Hollywood son Edward Dmytryk (Murder, My Sweet [1944], Crossfire [1947]) -el primer director de cine negro importante en caer presa de la lista negra de la industria- así como Henry Hathaway (The Dark Corner [El rincón oscuro][1946], Kiss of Death [El beso de la muerte][1947]) y John Farrow (The Big Clock [El gran reloj][1948], Night Has a Thousand Eyes [La noche tiene mil ojos][1948]).

La mayoría de las películas de Hollywood consideradas como noirs clásicos entran en la categoría de la "película B"[62]. Algunas de ellas eran de tipo B en el sentido más preciso, producidas por una unidad de bajo presupuesto de uno de los principales estudios o por uno de los grupos más pequeños de Poverty Row, desde el relativamente acomodado Monogram hasta empresas más temblorosas, como Producers Releasing Corporation (PRC). Jacques Tourneur había hecho más de treinta Hollywood Bs (unos pocos ahora muy apreciados, la mayoría olvidados) antes de dirigir el A-level Out of the Past, descrito por el erudito Robert Ottoson como "el ne plus ultra del cine negro de los años cuarenta"[63] Las películas con presupuestos un paso más arriba en la escala, conocidas como "intermedias" por la industria, podrían ser tratadas como imágenes A o B, dependiendo de las circunstancias. Monogram creó Allied Artists a finales de la década de 1940 para centrarse en este tipo de producción. Robert Wise (Born to Kill [1947], The Set-Up [1949]) y Anthony Mann (T-Men [1947] y Raw Deal [1948]) hicieron cada uno una serie de intermediarios impresionantes, muchos de ellos negros, antes de graduarse para trabajar en producciones de gran presupuesto. Mann realizó algunos de sus trabajos más célebres con el director de fotografía John Alton, especialista en lo que James Naremore denominó "momentos hipnóticos de luz en la oscuridad"[64] Caminó de noche (1948), rodado por Alton y aunque acreditado únicamente a Alfred Werker, dirigido en gran parte por Mann, demuestra su maestría técnica y ejemplifica la tendencia de finales de la década de 1940 de los dramas de crímenes de "procedimiento policial". Fue lanzado, como otros Mann-Alton noirs, por la pequeña compañía Eagle-Lion; fue la inspiración para la serie Dragnet, que debutó en la radio en 1949 y en la televisión en 1951 [65].

Cartel de película con un borde de bandas diagonales en blanco y negro. En la parte superior derecha hay un eslogan: "Se fue en busca de amor... pero el destino obligó a un DETOUR a Revelry... Violencia .... ¡Misterio!" La imagen es un collage de fotos: un hombre tocando el clarinete; un hombre y una mujer sonrientes vestidos de noche; el mismo hombre, con una expresión horrorizada, sosteniendo el cuerpo de otro hombre con una herida sangrienta en la cabeza; el cuerpo de una mujer, dormida o muerta, extendido sobre el extremo de una cama, con un teléfono a su lado; apoyándose a ambos lados de un poste de luz, el mismo hombre por tercera vez, usando un traje y una corbata verde y sosteniendo un cigarrillo, y una mujer usando un vestido rojo hasta la rodilla y zapatos negros, fumando. Los créditos de la parte inferior incluyen los nombres de tres actores: Tom Neal, Ann Savage y Claudia Drake.

Hacer un desvío (1945) costó $117.000 cuando los estudios más grandes de Hollywood gastaron alrededor de $600.000 en la película promedio. Producida en la pequeña RPC, sin embargo, la película superó en un 30 por ciento el presupuesto [66].

Varios directores asociados con el cine negro construyeron obras muy respetadas, en gran medida a nivel de cine de serie B/intermedio. Las brutales y visualmente enérgicas películas de Samuel Fuller, como Pickup on South Street (1953) y Underworld U.S.A. (1961), le ganaron una reputación única; sus defensores lo elogian como "primitivo" y "bárbaro"[67][68] Joseph H. Lewis dirigió noirs tan diversos como Gun Crazy (1950) y The Big Combo (1955). El primero -cuyo guión fue escrito por la lista negra de Dalton Trumbo, disfrazado con una portada- presenta una secuencia de atraco a un banco que se muestra en una toma ininterrumpida de más de tres minutos y que fue influyente [69].70] Las películas más distintivas de Phil Karlson (The Phenix City Story [1955] y The Brothers Rico [1957]) cuentan historias de vicio organizadas a una escala monstruosa [71] El trabajo de otros directores en este nivel de la industria, como Felix E. Feist (The Devil Thumbs a Ride [1947], Tomorrow Is Another Day [1951]), se ha vuelto oscuro. Edgar G. Ulmer pasó la mayor parte de su carrera en Hollywood trabajando en estudios B y de vez en cuando en proyectos que alcanzaron un estatus intermedio; en su mayor parte, en inconfundibles Bs. En 1945, mientras estaba en el PRC, dirigió un clásico de culto negro, Detour [72] Los otros noirs de Ulmer incluyen Strange Illusion (1945), también para el PRC; Ruthless (1948), para Eagle-Lion, que había adquirido el PRC el año anterior y Murder Is My Beat (1955), para Allied Artists.

Un número de noirs de bajo presupuesto y de presupuesto modesto fueron realizados por compañías independientes, a menudo propiedad de actores, que contrataban a estudios más grandes para su distribución. Hugo Haas fue productor, guionista, director e intérprete principal, y realizó películas como Pickup (1951) y La otra mujer (1954). Fue así como la actriz de cine negro Ida Lupino se estableció como la única mujer directora en Hollywood a finales de los años cuarenta y gran parte de los años cincuenta. No aparece en la película más conocida que dirigió, The Hitch-Hiker (1953), desarrollada por su compañía, The Filmakers, con el apoyo y la distribución de RKO[73], una de las siete películas noir clásicas producidas en gran parte fuera de los grandes estudios que han sido elegidos para el Registro Nacional de Cine de Estados Unidos. De los otros, uno fue un lanzamiento de estudio pequeño: Desvío. Cuatro fueron producciones independientes distribuidas por United Artists, el "estudio sin estudio": Gun Crazy; Kiss Me Deadly; D.O.A. (1950), dirigida por Rudolph Maté y Sweet Smell of Success (1957), dirigida por Alexander Mackendrick. Uno de ellos era un producto independiente distribuido por MGM, el líder de la industria: Force of Evil (1948), dirigida por Abraham Polonsky y protagonizada por John Garfield, ambos incluidos en la lista negra en los años 50. [74] La producción independiente por lo general significaba circunstancias restringidas, pero Sweet Smell of Success, a pesar de los planes del equipo de producción, claramente no se hacía a bajo precio, aunque, al igual que muchos otros preciados noirs de presupuesto A, podría decirse que tenía un alma de cine de serie B[75].

Tal vez ningún director demostró mejor ese espíritu que el alemán Robert Siodmak, que ya había hecho una veintena de películas antes de su llegada a Hollywood en 1940. Además de The Killers, el debut de Burt Lancaster y una coproducción entre Hellinger y Universal, Siodmak ha realizado otras importantes contribuciones al género como Phantom Lady (una adaptación de primera línea de B y Woolrich) de 1944, Christmas Holiday (1944), y Cry